manjonland

The man who sold the wolrd

2010-02-15T07:09:00.000-08:00

De Eloy González

La película de Eloy González comparte título con una canción de David Bowie, fue montada en dos meses y medio por González y su compañero Goyo Villasevil, con quien hace seis años puso en marcha en Madrid la empresa "Visual Loop", centrada especialmente en el mundo de la publicidad.

Ambos también participaron hace cuatro años en esta cita cinematográfica con los hermanos Swel e Imad Noury en la misma sección, pero entonces con la película "Heaven's doors", el título de un tema de Bob Dylan.
Rodada y estrenada en Marruecos, de donde proceden los directores, además de proyectada en festivales en los que ha cosechado premios, "The man who sold the world" ha generado "polémica" en su país, sobre todo entre los "fundamentalista", debido al "tono homosexual" que destila la historia.
Esta película, a la que medios franceses se han referido como una obra "pasional, tumultuosa y libre", en la que destaca su "poesía visual", se ha convertido en la primera que "utiliza una cámara red one en formato escope".
Además del montaje, el equipo integrado por González y Villasevil se ha encargado de los efectos visuales.
Para rodar esta película marroquí, los dos directores, que son españoles, contaron con el padre de ambos, el prestigioso director marroquí, Hakim Noury.
Eloy González, de 34 años, estudió en Madrid para convertirse en técnico superior en Realización y después se trasladó a Mallorca, donde realizó un máster de postgrado en Infografía, para después trabajar como free-lance para diferentes televisiones y productoras, lo que dio como resultado la creación de la empresa "Visual Loop".
En el mundo del cine destaca el Premio Goya al mejor cortometraje de ficción que consiguió en 2008 "Salvador, historia de un milagro cotidiano", dirigido por Hwidar.
La película "The man who sold the wolrd" aspira en Berlín a tres premios: mejor película de la sección Panorama, el premio del público y el premio de la crítica.

El jardín de las delicias

2010-02-01T07:45:00.000-08:00

El bosco 1500-1510 Óleo sobre tabla, 220cm x 389cm

Cabeza de mujer llorando con pañuelo 1937

2010-01-26T03:39:00.000-08:00

1937 óleo sobre lienzo 92 x 73

En 1927, Picasso conoce en la calle a Marie-Thérèse Walter, una joven de diecisiete años que no tarda en convertirse en su amante. La juventud de Marie-Thérèse revitaliza la creatividad de Picasso y lo lleva a reorganizar las formas anatómicas a través de líneas curvas de marcada sensualidad, como El sueño, Mujer desnuda en sillón rojo, La lectura y, sobre todo, Muchacha joven delante de un espejo (1932). Tras Marie-Thérèse, quien lo hace padre de Maya, a la que retrata en Maya con muñeca (1938), entra en su vida otra mujer. Dora Maar, una bella e imaginativa fotógrafa, impulsa a Picasso a nuevas exploraciones artísticas que coinciden con el estallido de la guerra civil española. La pintura de Picasso adopta entonces el dramatismo del negro y los grises y el horror se esparce en formas dislocadas y fragmentadas para componer el monumental friso del Guernica (1937). Aquí, la mirada de Picasso escruta el lado más brutal e inhumano de la civilización, como lo hace retratando a Dora Maar en Mujer llorando (1937), o en los cuadros Gato devorando un pájaro (1939) y El osario (1945).

León Ferrari y Mira Schendel

2010-01-23T04:04:00.000-08:00

HASTA EL 1 DE MARZO DE 2010 EN EL MUSEO REINA SOFIA

La obra de Mira Schendel y León Ferrari, contemporáneos a pesar de la lejanía de sus respectivos lugares de nacimiento –Schendel nació en Suiza en 1919 y falleció en Brasil en 1988; Ferrari nació en 1920 en Argentina, donde aún reside– está atravesada hasta en sus más silenciosos e íntimos momentos por el furor del lenguaje. Un furor proteico que ha adquirido en ellos innumerables rostros, desde la mudez voluntaria hasta la afasia, pasando por el susurro, la plegaria, la denuncia, la oración, la didascalia, el diálogo, la cita, la poesía, el tartamudeo, el grito, la onomatopeya, el collage, el argumento, el alfabeto. Ambos artistas estuvieron muy cerca de la poesía y de los poetas –Haroldo de Campos en el caso de Mira Schendel; Rafael Alberti en el caso de León Ferrari– y ambos, en algún momento, fueron poetas.
Los años críticos de aparición de la obra de Schendel y Ferrari coinciden con el inicio de la década de los años 60, y quizás el año de 1964 fue un hito para ambos artistas. León Ferrari produce entonces su Cuadro Escrito, tras una intensa práctica dibujística que lo llevó de la abstracción a sus escrituras deformadas e ilegibles y de éstas a la sofisticada caligrafía, no menos hermética, de sus dibujos escritos. Ese mismo año, Mira Schendel inicia un período de trabajo exclusivamente orientado a obras sobre papel –utilizando siempre un mismo soporte: hojas rectangulares de papel japonés, usualmente conocido como papel de arroz– que la llevará a producir una desbordante cantidad de dibujos para los que concibió una técnica personal de aplicación de la tinta y del gesto, y que concluirá a finales de los años 60 con la creación de sus obras emblemáticas: las Droguinhas (c. 1965-68), el Trenzinho (1965) y los Objetos gráficos (1968-73).
Estos años coinciden también, en el mundo europeo y norteamericano, con el surgimiento de una forma de arte opuesto a la idea de género artístico; un arte sin medium específico o que escaparía de la posibilidad de ser aprehendido desde la perspectiva de la especificidad de su medium; un arte en el que, al decir de Sol LeWitt, “la idea o concepto es el aspecto más importante de la obra”: el arte conceptual. Desde su surgimiento, el discurso autorizado del arte conceptual estaba enfocado a lo que llegaría a ser uno de sus mitos originarios, el asunto de la desmaterialización del objeto artístico que el conceptualismo llevaba implícito.
Quizá lo que distingue a las obras de Schendel y de Ferrari del conceptualismo es precisamente que mientras éste es un arte centrado en el protagonismo ideal del lenguaje, aquellos son artistas interesados en el aspecto del lenguaje, cuyos trabajos manifiestan y muestran el lenguaje encarnado y vinculante, el lenguaje como materialidad escrita y como huella, el lenguaje como temblor de una mano y como estremecimiento de un cuerpo: el lenguaje estremecido, como sujeto irrepetible y como vicario de la voz.
Ferrari y Schendel son artistas visuales que nunca abandonan el oficio del verbo; al contrario, lo erigen en el centro de su operación productora de imágenes, incluso de las más despojadas y silenciosas. Pero más allá de un asunto de lenguaje, lo que se manifiesta en sus trabajos, hasta en aquellos donde no es posible identificar la materia lingüística, es precisamente la escritura en el sentido barthesiano de scription, “acto muscular de escribir, de trazar las letras”, su radical reducción material y, por lo tanto, su capacidad para funcionar en la imagen como una representación visual de la enunciación. No es sólo pues el lenguaje lo que en ellos constituye el nervio de la obra, sino la palabra como función vicaria y desbordante de la voz humana; no son frases neutras y sin sujetos que cualquiera puede decir impersonalmente –como si la lengua fuese una forma de transparencia–, lo que en ellos sobresale; son textos opacos, signos heridos, fragmentados, obsesivos, o letras abandonadas, delirantes, solitarias; no es la lengua, en fin, lo que allí brilla sino la escritura, abstracta o textual, alfabética o arquitectónica, deformada o ínfima, nominal o transitiva y, por encima de todo, la materia de su cuerpo: el gesto gráfico.
Si los dibujos abstractos representan uno de los más álgidos momentos de carácter puramente estético en la obra de León Ferrari, sus dibujos escritos comienzan a ser el soporte de contenidos y discursos objetivos en los que el artista señala el mundo con sus contradicciones y absurdos, reflexiona sobre el arte y hace sarcasmo de los poderes constituidos de la Iglesia y el Estado. En ninguno de ellos llega a haber violencia, ni siquiera la furia y la protesta de sus trabajos posteriores como reacción a la trágica historia de Argentina, que golpearía, también, cruelmente a su familia. Se puede sin embargo pensar que el período inaugurado con obras como el Sermón de la Sangre –una abstracción que esconde en su mudez un texto escrito por otro, en este caso por Rafael Alberti– se concluirá, justo antes de que Ferrari se retire de la producción de objetos artísticos por un tiempo, con la muestra –y el rechazo público– de una imagen de Cristo crucificado en un bombardero norteamericano, La Civilización Occidental y Cristiana (1965), un gesto de protesta política en contra de la guerra de Vietnam. En el breve período de cuatro años, entre 1962 y 1965, Ferrari produjo el grueso de sus primeros dibujos y concibió la base para todo el repertorio posterior de su trabajo: los dibujos abstractos, como Músicas, Escrituras deformadas y Cartas a un general; las esculturas de alambres y las cajas, y los dibujos con escrituras como el Cuadro escrito.
Ferrari y Schendel, a través de sus obras en las que la escritura sustituye a la imagen, no cesaron de producir una constante suspensión de la imagen en beneficio de lo que queda del lenguaje cuando es tratado como un cuerpo: el gesto que liga y desliga en la corporalidad caligráfica, la ligadura del lenguaje, su prelingüística configuración constelar, un arte de alfabetos ingrávidos, arbitrarios, y de palimpsestos; letras y palabras desasidas, fuera de órbita, en el cual también se hace visible, especialmente en Schendel, el sustrato vacío y mudo donde se han alojado los signos y donde pueden llegar a habitar de nuevo como una incesante potencia: el papel, sus estrías, sus desiertos. Así pueden comprenderse las dos grandes conclusiones de la producción sobre papel de Mira Schendel: las Droguinhas y el Trenzinho. En las primeras, sobresale la complejidad de lo deleznable, y también una arqueología abismal que concierne íntimamente a la escritura, a sus míticos orígenes y a sus originarios rechazos: un repertorio de cuerdas y ataduras de papel, lazos que nada enlazan sino a ellos mismos. En el Trenzinho, por su parte, se expone como un expolio el cuerpo inmaculado, la tabula rasa de papel que antes acogía las manchas de lo escrito, presentando la frontalidad de su propia desnudez, su propio vacío, en forma de velos y sudarios.
La alternativa o simultánea función de indicación y ocultación es fundamental en la obra de León Ferrari y Mira Schendel. Opuestos a la neutralidad de las operaciones de lenguaje que caracterizan el canon del arte conceptual, lo que prima en Ferrari y en Schendel es una forma de lenguaje apropiado, encarnado, personalizado, un lenguaje-cuerpo: el lenguaje del cuerpo –“aquel que indica como el dedo la cosa de la que se habla”, según los tratadistas de Port Royal– y, a la vez, el cuerpo del lenguaje. En lugar de la fascinación lingüística del arte conceptual, que encontró en el lenguaje el sucedáneo artificial de una inmaterialidad imposible, Ferrari y Schendel parecen haber trabajado a contrapelo de aquella afirmación de Merleau-Ponty: “la maravilla del lenguaje es que se hace olvidar.” Es decir, una obra en la que la significación de los signos no nos lleva a olvidar su aspecto físico, sino que, al contrario, nos confronta ante su opaca presencia. Mira Schendel y León Ferrari parecen haberse empeñado durante toda su vida de artistas en restituir la letra a su voz, la voz a su aliento, el aliento a su cuerpo, el cuerpo a su gesto, el gesto, en fin, a su vida.

Mira Schendel (Myrrha Dagmar Dub), nacida en Zúrich en 1919, se trasladó junto a su familia a Italia siendo aún niña. En 1936 se inscribió en la Università Cattolica del Sacro Cuore de Milán para estudiar filosofía, siendo forzada al exilio tres añosmás tarde por la persecución antisemita. Después de la Segunda Guerra Mundial, emigró al Brasil, donde comenzó su trabajo artístico, iniciándose como ceramista y luego como pintora. A inicios de los años 60, Schendel produjo un volumen considerable de obras sobre papel aplicando técnicas inéditas, en las que se manifiesta su interés por el gesto escrito y su búsqueda de la transparencia dentro de la materia. A fines de los años 60 realizó obra tridimensional, utilizando el papel como soporte para esculturas abstractas de formas abigarradas y produciendo complejas acumulaciones de signos y escrituras entre soportes de acrílico transparente. Hasta su muerte en 1988, en São Paulo, Schendel mantuvo una sensibilidad hacia la dimensión ética del arte, concibiéndolo como una de las más radicales expresiones de la condición humana.

León Ferrari (Buenos Aires, 1920) estudió Ingeniería en la Facultad de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales de la Universidad de Buenos Aires (1938-1947). Ha utilizado un amplio repertorio de medios artísticos, desde cerámica a cine, pasando por escultura, dibujo, ensamblaje, grabado, arte postal, pintura, y sonido. Mientras vivió temporalmente en Italia, en los años 50, realizó esculturas en cerámica, estilísticamente vinculadas a la abstracción europea de aquel tiempo. De retorno a Argentina comenzó una significativa producción de esculturas de alambre antes de realizar sus trabajos sobre papel y las pinturas, esculturas e instalaciones posteriores, desarrollando formas orgánicas y gestuales que constituyen un repertorio abstracto y, a la vez, una exploración de códigos, caligrafías y escrituras. Profundamente preocupado por el rol ético del artista, Ferrari ha vinculado el interés por las formas de vanguardia con un contenido de denuncia política. Aún activo en la escena contemporánea del arte argentino, vive actualmente en Buenos Aires.

Un viaje a través de Corea Egipto e Italia

2009-06-29T22:15:00.000-07:00

Calle travesía Conde Duque Nº3 Madrid

Dos Visiones de Masri

2009-05-27T03:36:00.000-07:00

Mañana inauguramos una pequeña exposición de Fotografía "Dos visiones de Masri", se encuentra en un espacio casi cerrado, más bien dedicado a tertulias con amig@s, a reflexiones banales o intelectuales que podemos tener todos en nuestra vida cotidiana.

Se trata de dar a conocer trabajos realizados en un pasado el cual estaba enterrando su significado y que pretender dar una visión personal de un país, Egipto lleno de texturas y esencias que permanecen en el tiempo.

AREVALO 2009 Arte Contemporaneo

2009-05-06T03:58:00.000-07:00

Michiko Totoki

Una visión renovada nos puede hacer reflexionar sobre la profundidad de lo NO valorado, una estética impecable nos muestra un interior profundo con millones de mensajes escritos en una imagen .

José Luis Pajares

Cuando la poesía se construye con la sintaxis de la imagen y los elementos que la componen son en si mismos evocadores de ternura, emoción, tranquilidad, lejanía, cercanía.... no existen definiciones posibles ya que la descripción solo la realiza el corazón.

Victor Ausín Sáinz

En estos días se celebra la V edición de la Feria de Arte Contemporáneo, organizada por la Cámara de Comercio e Industria de Arévalo (la cual este año celebra su centenario), un evento, que, poco a poco, va creciendo y tomando forma.
Continuamos teniendo una fuerte presencia de artistas jóvenes y de la comunidad castellano-leonesa, aunque sin renunciar a presenta figuras más consolidadas y/o procedentes de otros países.
Esta feria comenzó siendo una feria de artistas, hasta que, en la pasada edición, empezó a colabora la galería Catarsis de Madrid, que repite este año, a la que suma la sala Morillo , también de Madrid. Esperemos ir incrementando este número de espacios artísticos en el futuro.
Este evento artístico tiene el privilegio de ser una de las pocas exposiciones en la que el arte actual puede ser contemplado en la provincia de Ávila. Esto es importante, en primer lugar, porque no existe ningún museo o centro de arte contemporáneo en toda la provincia y las pocas galerías o salas de exposiciones que existen no tienen una programación estable de arte contemporáneo, y, en segundo lugar, porque se celebra en una zona con escasa densidad demográfica y mayoritariamente rural, lo que conlleva una serie de peculiaridades y características específicas, por lo que además aspira a convertirse, con el tiempo, en un referente cultural, tanto para la población autóctona como para el público de otros lugares.
Clara I. Arribas Cerezo / Juan Antonio Gil Segovia
Comisarios de la Feria

Julie Mehretu, Etiopía.

2009-04-27T04:35:00.000-07:00

Ruffian Logistics, 2001Tinta y acrílico sobre tela, 152 x 335 cm.

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“ Creo que, en mi caso, al principio los cuadros nacieron de mis dibujos. El impulso, la voluntad inicial de investigación era intentar desarrollar mediante el dibujo un lenguaje capaz de comunicar distintos tipos de narrativa y levantar un paisaje urbano en el que cada trazo tenga carácter propio, un modus operandi de comportamiento social. Cuando empezaron a crecer y desarrollarse en el dibujo, quise verlos matizados en varias capas, construir una dimensión espacial y temporal diferente en las narrativas”.

Bromas y engaños de pintores antiguos.

2009-04-27T04:33:00.000-07:00

Los relatos sobre la vida y el arte de los pintores griegos constituyen las páginas más intrigantes, debido a la desaparición de las obras de las que habla el escritor, confiadas ya a nuestra fantasía.
Leyendo a Plinio, nos damos cuenta de que los motivos de la naturaleza muerta no eran una rareza, sino que eran empleados en verdaderas competiciones de habilidad por los maestros más conocidos.
Plinio habla de un racimo de uvas pintado por Zeuxis de modo tan realista que engañaba incluso a los pájaros, que trataban de picotear los granos pintados; pero Paraíso, colega y rival de Zeuxis habría superado ese efecto, simulando una cortina pintada que el propio Zeuxis habría tratado inútilmente de abrir.

Naturaleza Muerta
Artistas del siglo I d.C. 45-79 d.C

La Diputación recopila obras de una veintena de artistas abulenses en una exposición

2009-04-20T07:28:00.000-07:00

Grabado, pintura, fotografía, estampación… A lo largo de los últimos años, por el patio del Torreón de los Guzmanes han pasado numerosos artistas. Todos ellos han ido dejando parte de sí en la sede de la Diputación de Ávila, que muestra, ahora, en una exposición, una pequeña selección de estas obras.
Son 19 las obras seleccionadas por la institución provincial para, además, abrir una nueva edición, la séptima, de la Muestra de Arte Abulense, de manera que, a lo largo de los próximos meses, este mismo espacio expositivo se hará eco de las tendencias que trabajan los artistas abulenses o relacionados con la provincia, según destacó el diputado responsable del Área de Cultura, Ángel Luis Alonso.
Armando López (fotografía), Teresa Muñoz (pintura), Juan Antonio del Castillo (grabado), Emilio Jiménez (pintura), Fernando Martín Manjón (Grabado), Manuel García (pintura), Ana González (fotografía), Teresa Veneros (pintura), Carmen Brincones (estampa digital), Víctor Manuel Ausín (pintura), Gabriel Casarrubios (pintura), Julia Ballesteros (pintura), Mariví Romero (pintura), Consuelo López (pintura), Gustavo Vila (pintura), César Escuedero (grabado), Ángel Pérez (pintura), María Josefa García (pintura) y Antonio Hernández (pintura) son los artistas seleccionados.
La exposición permanecerá dos semanas en el patio del Torreón de los Guzmanes, donde podrá visitarse en horario de 12 a 14 y de 17 a 20 horas, de lunes a viernes.

www.manjon.eu

2009-04-20T04:50:00.000-07:00

El tiempo pasa tan rápido como pasan nuestros pensamientos, el instante de recreación en una obra es tan fugaz como el movimiento de la sangre en nuestras venas y la ilusión por el descubrimiento de la novedad pasa a la desesperación en búsqueda de más información que llegue a asombrar la capacidad creativa.

2009-03-29T09:10:00.000-07:00

2009-03-29T09:01:00.001-07:00

Manjonland nació con la finalidad de dar a conocer la obra de una persona que sin muchos recursos queria estar presente en el panorama artístico, de eso hace ya dos años y como se puede comprobar no hay nada, el vacio de este espacio durante este tiempo refleja el aislamiento que he creado con la inactividad del día a día, con la busqueda de una estabilidad en una sociedad que en general no se preocupa por el arte, más bien lo desprecia , sin saber, que forma parte de su vida.

2009-03-29T08:54:00.000-07:00

Desde hoy comienza una etapa en la que me propongo dejar reflejado por escrito esas inquietudes relacionadas con el arte que pasan por mi cabeza, la cuales se evaporan con el tiempo, se deciden a veces a regresar solidificandose en proyectos, o simplemente vuelan sin tener un destino.

Manjonland

2007-02-20T08:21:00.000-08:00

Aquí empieza mi homepage ....